
Bonjour à tous, je n’ai pas posté sur le forum si ce n’est pour me présenter. Mais je vous lis quotidiennement et réagis plutôt virtuellement qu’en m’engageant dans des réponses écrites. A côté de cela, je vous propose la production d’un article sur Playing The Angel. Maintenant que nous avons tous un peu de recul sur l’album et qu’un autre va venir, il est bon, à mon sens, de se pencher sur la dernière production en date. Ce texte écrit il y a déjà quelques temps a pour ambition de dépasser quelques préjugés que j’ai pu lire ici ou là sur l’album. J’ai comme l’impression que chez beaucoup l’oeuvre a été rapidement consommée pour être mis de côté et que l’on se contente trop facilement de la mémoire d’écoutes dont l’effet demanderait à être reconsidéré à la lumière de nouvelles écoutes. Si ce n’est pas le cas pour vous, partageons simplement ensemble l’expérience fournie de l’écoute que permet Depeche Mode par le biais de cette proposition d’article qui, je l’espère, vous contentera comme me contente chaque jour la lecture du forum.
Chronique Playing The Angel
Il faudrait réfléchir sur le sens du mot « bombe » appliqué depuis quelques années aux albums musicaux. Mais il n’est pas besoin d’une recherche fouillée sur le mot pour en saisir ici la métaphore. La bombe est à retardement et explose en faisant trembler le sol. Littéralement et techniquement, elle a une finalité destructrice. Pour la musique, nous retiendrons les premiers éléments mais pas le dernier ; on pourrait à la limite évoquer les effets destructeurs de la musique sur la psyché, lorsque l’écoute s’accompagne notamment de certaines substances mais cette situation n’entre pas dans la présentation que je vous propose de Playing The Angel.
Beaucoup d’aimants du groupe ont qualifié cet album de « bombe », c’est ce que j’ai retenu, ce qui m’est parvenu. Playing The Angel est au départ un objet curieux, vivace, qui, comme tout grand ouvrage, échappe au départ quelque peu à la compréhension.
J’accorde beaucoup d’importance à l’image mentale que l’on se fait d’un disque au fur et à mesure de ses écoutes. Cette image se forme d’abord sous l’influence de la pochette dans sa composition. Classiquement, les pochettes de Depeche Mode donnent dans le noir pour orienter notre écoute vers l’introspection et le retranchement, la musique se chargeant de préserver paradoxalement cet élan de vie, cette énergie propre au groupe.
La présentation tend ici vers le galvanisé et l’esquisse, ce qui ne nous place pas tout de suite dans une coupure avec le monde. Ainsi l’écoute en ses premières occurrences est totalement livrée à elle-même et le regard porté sur la pochette posée ici sur la table ou sur le lit ne permet d’adoucir les effets diversement péremptoires et métalliques de la musique. Playing The Angel trouve sa formidable unité dans la démultiplication, tel un objet fractal. La rivière de diamants coulant au refrain de Damaged People en est un exemple. A la différence d’Ultra qui suit un parcours, un itinéraire, Playing the Angel est dans un éclatement permanent des formes. Il convient alors de partir de son centre pour aller ensuite vers la périphérie. C’est là mon image mentale de l’album.
J’ai lu à plusieurs reprises que les deux titres chantés par Martin Gore avaient le physique de morceaux ayant leur place dans un album solo. Ce jugement hâtif est encore révélateur de la nécessité de l’écoute répétée. Macro s’insère parfaitement dans l’état d’esprit démodien – encore faudrait-il redéfinir cet état d’esprit, je ne m’attarderai pas à cette tâche aujourd’hui ! Le morceau prend naissance dans un chaos rythmique fascinant, mystérieux, une formidable alchimie de retards qui donne cet effet d’arythmie ; la bombe peut exploser à tout moment. Les couplets sont altiers, tel un chant apache, et le refrain fait ressortir le scintillement des anciens synthétiseurs analogiques, un peu comme un musicien baroque jouant sur instruments d’époque. Cet effet se retrouvera dans le sublime mais sous-estimé Damaged People, l’autre morceau chanté par Martin Gore, spécialement dans la montée du refrain où de vivantes opales viennent charmer l’oreille.
Precious, véritablement pivot de l’album, est ce morceau aérien qui permet un instant à l’auditeur de se défaire de la tonalité plutôt sombre et de tout le matériau très chargé de l’album qui au départ peut décourager. Precious a la même fonction ( je parle de fonction, non de valeur ) qu’ Enjoy The Silence dans Violator. En dehors de ce point commun de la place stratégique, Enjoy The Silence est peut-être plus audacieux du point de vue thématique, grâce à sa fameuse structure ternaire qui est pour beaucoup dans la structure du morceau. Bien que le texte de Precious soit plus pessimiste, les deux chansons ont en commun la joie extatique qu’elles installent pendant l’écoute dans un forme de mécanique céleste.
Ce petit cœur de Playing The Angel alimente un corps robuste et dynamique. Cette force, cet éclat participent à ce formidable paradoxe que nous connaissons tous dans la musique de Depeche Mode : l’énergie dans la souffrance. « Peine et souffrance en différents tempi » indique avec beaucoup d’élégance le sous titre. A partir de ce fil directeur s’enchaînent les morceaux avec, globalement, un son très chargé qui ne permet pas de bien singulariser les titres entre eux lors des premières écoutes. Playing The Angel nécessite vraiment des écoutes multiples. Rien qu’en tenant compte des trois premières plages, on comprend que la bombe Playing The Angel vise plusieurs cibles en même temps, le programme commence en effet par trois single qui porteront les concerts de la formidable tournée qui suivra.
Avant cela, il faut vraiment entrer dans la structure, s’imprégner de l’ensemble pour se défaire de l’effet de saturation : les premiers accords de A Pain, les envolées de John The Revelator, la rythmique de Suffer Well, la fin de The Sinner In Me. A termes tous ces éléments qui paraissent en surplus se légitiment et prennent place dans nos survenances émotionnelles. Il reste que l’image sonore globale de l’album est diffractée, et c’est par ce mélange d’énergie et de pessimisme que l’on peut parler d’un album torturé. On pourrait placer à la suite des éléments relevés plus haut, les aplats de matière que l’on subit dans The Darkest Star et qui achèvent de donner à l’album son image de relief multiforme, dans la violence. Peut-être sont-ils allés trop loin dans cet effet, je ne sais pas. Pour cette raison et cette raison seule, The Darkest Star est, avec Lilian, le seul titre pour lequel j’aurais quelques réserves à émettre.
La grande surprise dans la découverte de cet album, fourni et indéfiniment riche, est la participation de Dave Gahan comme auteur, aidé entre autres par Christian Eigner et A. Phillpott. Il y a dans ses trois morceaux bien plus que la perspective d’un rock libre et charnu proposée dans Paper Monsters. On perçoit ici une épaisseur supplémentaire conforme à l’univers esthétique du groupe. Suffer Well, c’est un déferlement tragique ( les vagues thématiques commentant le refrain ! ) à travers un texte très clair. I Want It All, pur joyau, joue davantage sur la finesse. Peu d’éléments, du vide, pour un propos centré sur la place du désir dans l’existence et la frustration. La métaphore de la rivière ( « I see a river… » ) participe à cette réflexion avec au bout, la mort, ou du moins l’arythmie cardiaque qui sera choisi en guise d’ouverture des concerts. Cette chanson, ou plutôt cette ode ( funèbre, pour soi ) constitue paradoxalement l’un des rares moments de calme dans l’album, elle sonne à mes oreilles comme un lied allemand.
Enfin il y a ce chef d’œuvre qu’est Nothing’s Impossible. Repris ici temps par temps.
Un début très chargé, confus, une masse sonore importante mais ça avance, on s'y fait bien par la suite.
Cette masse est nuancée par une petite accroche thématique mystérieuse qui mène au premier couplet.
Le premier couplet installe vraiment le climat émotionnel de la chanson, avec cette voix du chanteur retravaillée, robotisée. Le rythme est représenté au niveau sonore je ne saurais te dire comment, mais richement. On trouve dans ce premier couplet une nuance harmonique incroyable sur " i need a mircle to help me this tiiiiiime " : le son se prolonge sur "time" avec en même temps un son grave, ce qui donne quelque chose de chaleureux, et en même temps de retenu. Une fraction de secondes qui portent le morceau, participent à la représentation mentale que l'on s'en fait.
Entre le couplet et le refrain, quelques sons électroniques imposants viennent briser le spectre sonore général. Au début on trouve que c’est trop, mais par la suite ils forment une composante mélodique primordiale dans l'anticipation de l'écoute. Maintenant, quand ils arrivent, je fais toujours des gestes pour mimer leur intervention.
Even the stars look brigther tonight...
Le refrain, très court, fondu dans l'ensemble, accomplit l'émotion installée jusqu'ici. Le texte, le message même ( n'ayons pas peur de le dire ), ressortent davantage. Encore un alliage sonore très subtil sur "love at first sight", une sorte de dissonance gommée par l'électronique qui produit un effet aussi vibrant qu’au moment de déguster un met la partie essentielle produisant le goût se sépare de l'ensemble et vient passer au coin de la bouche.
Les morceaux de Depeche Mode s'achèvent souvent sur un moment proche de l'improvisation. La guitare joue en général ce rôle. C'est le cas ici, avec une lancée de la guitare qui sembler trop travaillée au niveau sonore ( presque cristalline, pas assez électrique ), mais qui pourtant se place parfaitement dans la logique du morceau. Sur scène, lorsque Martin Gore joue ce type de passages, Dave Gahan court sur la scène de long en large, comme un aveugle ivre, la gueule ouverte, conduit par son pied de micro.
Le titre s'achève sur d’autres accords, plus séparés et clairs, ceux qui structuraient le morceau, plus des notes en suspend à la guitare qui explorent un petit interstice harmonique. On entend derrière des restes de la base rythmique avec un son très riche.
Beaucoup trouvent ce morceau glauque. Pour moi c'est tout le contraire. Il diffuse une lumière splendide, il est sanguin, noble, fait passer un courant qui part des reins pour remonter jusqu'à la gorge.
Pour finir, je parlerai du mal aimé, l’instrumental Introspectre. En réagissant à ce morceau, certains sont allés jusqu’à remettre en question la nécessité de placer systématiquement un morceau purement instrumental dans les albums. Je ne pense pas qu’on puisse porter ce jugement à partir d’Introspectre. Certes il n’a pas la force d’un Pimpf, il ne met pas une machinerie implacable comme dans Painkiller. En vérité, il faut l’admirer dans sa pure négativité, dans le vide absolu qu’il constitue. Au moment où il intervient dans l’album, les choses s’arrêtent et l’esprit se laisse seulement entraîner par un motif mélodique du type questions / réponses. On a l’impression d’une vague musique de film, de choses déjà entendues et Martin Gore va en effet très loin dans le mimétisme musical. Et pourtant je pense qu’Introspectre garde sa singularité, bien qu’il n’ait d’autre but que de créer des formes et de les faire aussitôt s’évanouir. C’est un passage, une porte entr’ouverte, qui donne une couleur à l’introspection autre que celle que l’on adopte dans I Want It All ou encore dans The Sinner In Me. Non ce n’est pas un morceau, mais un fragment, du temps pur. Et cela fait du bien dans un album rempli autant de tourments. Comme l’a montré la scène, ces tourments exprimés à la manière de Depeche Mode servent à nous animer, à nous propulser.
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Chronique Playing The Angel
Il faudrait réfléchir sur le sens du mot « bombe » appliqué depuis quelques années aux albums musicaux. Mais il n’est pas besoin d’une recherche fouillée sur le mot pour en saisir ici la métaphore. La bombe est à retardement et explose en faisant trembler le sol. Littéralement et techniquement, elle a une finalité destructrice. Pour la musique, nous retiendrons les premiers éléments mais pas le dernier ; on pourrait à la limite évoquer les effets destructeurs de la musique sur la psyché, lorsque l’écoute s’accompagne notamment de certaines substances mais cette situation n’entre pas dans la présentation que je vous propose de Playing The Angel.
Beaucoup d’aimants du groupe ont qualifié cet album de « bombe », c’est ce que j’ai retenu, ce qui m’est parvenu. Playing The Angel est au départ un objet curieux, vivace, qui, comme tout grand ouvrage, échappe au départ quelque peu à la compréhension.
J’accorde beaucoup d’importance à l’image mentale que l’on se fait d’un disque au fur et à mesure de ses écoutes. Cette image se forme d’abord sous l’influence de la pochette dans sa composition. Classiquement, les pochettes de Depeche Mode donnent dans le noir pour orienter notre écoute vers l’introspection et le retranchement, la musique se chargeant de préserver paradoxalement cet élan de vie, cette énergie propre au groupe.
La présentation tend ici vers le galvanisé et l’esquisse, ce qui ne nous place pas tout de suite dans une coupure avec le monde. Ainsi l’écoute en ses premières occurrences est totalement livrée à elle-même et le regard porté sur la pochette posée ici sur la table ou sur le lit ne permet d’adoucir les effets diversement péremptoires et métalliques de la musique. Playing The Angel trouve sa formidable unité dans la démultiplication, tel un objet fractal. La rivière de diamants coulant au refrain de Damaged People en est un exemple. A la différence d’Ultra qui suit un parcours, un itinéraire, Playing the Angel est dans un éclatement permanent des formes. Il convient alors de partir de son centre pour aller ensuite vers la périphérie. C’est là mon image mentale de l’album.
J’ai lu à plusieurs reprises que les deux titres chantés par Martin Gore avaient le physique de morceaux ayant leur place dans un album solo. Ce jugement hâtif est encore révélateur de la nécessité de l’écoute répétée. Macro s’insère parfaitement dans l’état d’esprit démodien – encore faudrait-il redéfinir cet état d’esprit, je ne m’attarderai pas à cette tâche aujourd’hui ! Le morceau prend naissance dans un chaos rythmique fascinant, mystérieux, une formidable alchimie de retards qui donne cet effet d’arythmie ; la bombe peut exploser à tout moment. Les couplets sont altiers, tel un chant apache, et le refrain fait ressortir le scintillement des anciens synthétiseurs analogiques, un peu comme un musicien baroque jouant sur instruments d’époque. Cet effet se retrouvera dans le sublime mais sous-estimé Damaged People, l’autre morceau chanté par Martin Gore, spécialement dans la montée du refrain où de vivantes opales viennent charmer l’oreille.
Precious, véritablement pivot de l’album, est ce morceau aérien qui permet un instant à l’auditeur de se défaire de la tonalité plutôt sombre et de tout le matériau très chargé de l’album qui au départ peut décourager. Precious a la même fonction ( je parle de fonction, non de valeur ) qu’ Enjoy The Silence dans Violator. En dehors de ce point commun de la place stratégique, Enjoy The Silence est peut-être plus audacieux du point de vue thématique, grâce à sa fameuse structure ternaire qui est pour beaucoup dans la structure du morceau. Bien que le texte de Precious soit plus pessimiste, les deux chansons ont en commun la joie extatique qu’elles installent pendant l’écoute dans un forme de mécanique céleste.
Ce petit cœur de Playing The Angel alimente un corps robuste et dynamique. Cette force, cet éclat participent à ce formidable paradoxe que nous connaissons tous dans la musique de Depeche Mode : l’énergie dans la souffrance. « Peine et souffrance en différents tempi » indique avec beaucoup d’élégance le sous titre. A partir de ce fil directeur s’enchaînent les morceaux avec, globalement, un son très chargé qui ne permet pas de bien singulariser les titres entre eux lors des premières écoutes. Playing The Angel nécessite vraiment des écoutes multiples. Rien qu’en tenant compte des trois premières plages, on comprend que la bombe Playing The Angel vise plusieurs cibles en même temps, le programme commence en effet par trois single qui porteront les concerts de la formidable tournée qui suivra.
Avant cela, il faut vraiment entrer dans la structure, s’imprégner de l’ensemble pour se défaire de l’effet de saturation : les premiers accords de A Pain, les envolées de John The Revelator, la rythmique de Suffer Well, la fin de The Sinner In Me. A termes tous ces éléments qui paraissent en surplus se légitiment et prennent place dans nos survenances émotionnelles. Il reste que l’image sonore globale de l’album est diffractée, et c’est par ce mélange d’énergie et de pessimisme que l’on peut parler d’un album torturé. On pourrait placer à la suite des éléments relevés plus haut, les aplats de matière que l’on subit dans The Darkest Star et qui achèvent de donner à l’album son image de relief multiforme, dans la violence. Peut-être sont-ils allés trop loin dans cet effet, je ne sais pas. Pour cette raison et cette raison seule, The Darkest Star est, avec Lilian, le seul titre pour lequel j’aurais quelques réserves à émettre.
La grande surprise dans la découverte de cet album, fourni et indéfiniment riche, est la participation de Dave Gahan comme auteur, aidé entre autres par Christian Eigner et A. Phillpott. Il y a dans ses trois morceaux bien plus que la perspective d’un rock libre et charnu proposée dans Paper Monsters. On perçoit ici une épaisseur supplémentaire conforme à l’univers esthétique du groupe. Suffer Well, c’est un déferlement tragique ( les vagues thématiques commentant le refrain ! ) à travers un texte très clair. I Want It All, pur joyau, joue davantage sur la finesse. Peu d’éléments, du vide, pour un propos centré sur la place du désir dans l’existence et la frustration. La métaphore de la rivière ( « I see a river… » ) participe à cette réflexion avec au bout, la mort, ou du moins l’arythmie cardiaque qui sera choisi en guise d’ouverture des concerts. Cette chanson, ou plutôt cette ode ( funèbre, pour soi ) constitue paradoxalement l’un des rares moments de calme dans l’album, elle sonne à mes oreilles comme un lied allemand.
Enfin il y a ce chef d’œuvre qu’est Nothing’s Impossible. Repris ici temps par temps.
Un début très chargé, confus, une masse sonore importante mais ça avance, on s'y fait bien par la suite.
Cette masse est nuancée par une petite accroche thématique mystérieuse qui mène au premier couplet.
Le premier couplet installe vraiment le climat émotionnel de la chanson, avec cette voix du chanteur retravaillée, robotisée. Le rythme est représenté au niveau sonore je ne saurais te dire comment, mais richement. On trouve dans ce premier couplet une nuance harmonique incroyable sur " i need a mircle to help me this tiiiiiime " : le son se prolonge sur "time" avec en même temps un son grave, ce qui donne quelque chose de chaleureux, et en même temps de retenu. Une fraction de secondes qui portent le morceau, participent à la représentation mentale que l'on s'en fait.
Entre le couplet et le refrain, quelques sons électroniques imposants viennent briser le spectre sonore général. Au début on trouve que c’est trop, mais par la suite ils forment une composante mélodique primordiale dans l'anticipation de l'écoute. Maintenant, quand ils arrivent, je fais toujours des gestes pour mimer leur intervention.
Even the stars look brigther tonight...
Le refrain, très court, fondu dans l'ensemble, accomplit l'émotion installée jusqu'ici. Le texte, le message même ( n'ayons pas peur de le dire ), ressortent davantage. Encore un alliage sonore très subtil sur "love at first sight", une sorte de dissonance gommée par l'électronique qui produit un effet aussi vibrant qu’au moment de déguster un met la partie essentielle produisant le goût se sépare de l'ensemble et vient passer au coin de la bouche.
Les morceaux de Depeche Mode s'achèvent souvent sur un moment proche de l'improvisation. La guitare joue en général ce rôle. C'est le cas ici, avec une lancée de la guitare qui sembler trop travaillée au niveau sonore ( presque cristalline, pas assez électrique ), mais qui pourtant se place parfaitement dans la logique du morceau. Sur scène, lorsque Martin Gore joue ce type de passages, Dave Gahan court sur la scène de long en large, comme un aveugle ivre, la gueule ouverte, conduit par son pied de micro.
Le titre s'achève sur d’autres accords, plus séparés et clairs, ceux qui structuraient le morceau, plus des notes en suspend à la guitare qui explorent un petit interstice harmonique. On entend derrière des restes de la base rythmique avec un son très riche.
Beaucoup trouvent ce morceau glauque. Pour moi c'est tout le contraire. Il diffuse une lumière splendide, il est sanguin, noble, fait passer un courant qui part des reins pour remonter jusqu'à la gorge.
Pour finir, je parlerai du mal aimé, l’instrumental Introspectre. En réagissant à ce morceau, certains sont allés jusqu’à remettre en question la nécessité de placer systématiquement un morceau purement instrumental dans les albums. Je ne pense pas qu’on puisse porter ce jugement à partir d’Introspectre. Certes il n’a pas la force d’un Pimpf, il ne met pas une machinerie implacable comme dans Painkiller. En vérité, il faut l’admirer dans sa pure négativité, dans le vide absolu qu’il constitue. Au moment où il intervient dans l’album, les choses s’arrêtent et l’esprit se laisse seulement entraîner par un motif mélodique du type questions / réponses. On a l’impression d’une vague musique de film, de choses déjà entendues et Martin Gore va en effet très loin dans le mimétisme musical. Et pourtant je pense qu’Introspectre garde sa singularité, bien qu’il n’ait d’autre but que de créer des formes et de les faire aussitôt s’évanouir. C’est un passage, une porte entr’ouverte, qui donne une couleur à l’introspection autre que celle que l’on adopte dans I Want It All ou encore dans The Sinner In Me. Non ce n’est pas un morceau, mais un fragment, du temps pur. Et cela fait du bien dans un album rempli autant de tourments. Comme l’a montré la scène, ces tourments exprimés à la manière de Depeche Mode servent à nous animer, à nous propulser.
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