Nous sommes en 1984, à l'aube d'un nouveau succès planétaire. Le groupe est de nouveau sur de bons rails, après un précédent album plutôt convaincant. C'est maintenant une équipe gagnante, ambitieuse, qui va s'attaquer à de nouveaux sommets, comme l'explique Andy : "L'Amérique a raté la vague punk ; bien sûr, elle a atteint New-York, mais généralement les radios américaines et la jeunesse américaine ont loupé le punk. En 81, 82 et 83, ils écoutaient encore du REO Speedwagon, du Chicago, ce genre de progressif berk !". C'est donc aux Etats-Unis que Depeche Mode va devoir faire ses preuves, après les succès en demi-teinte du passé. Après un premier mois passé en studio, le groupe sort le 12 mars 1984 un single, People Are People, qui va inaugurer une des plus retentissantes réussites de l'année.

Le Monde Dans Lequel Nous Vivons
Côté matériel, les technologies évoluent sans cesse, Alan adopte rapidement l'Emulator II aux côtés du Synclavier. Cela ouvre la porte à toutes les bidouilles sonores possibles, comme il le précise dans cet interview : "La grosse caisse au début de People Are People était juste une grosse caisse acoustique samplée avec le Synclavier, auquel nous avons ajouté un bruit de métal (de type son d'enclume) pour lui donner un léger bruit sec et le rendre un peu différent. C'est la beauté du Synclavier, vous pouvez éditer les sons ensembles pour faire ce que nous appelons une combinaison de sons. Le son principal de synthé est le véritable son de synthé du Synclavier, c'est lui seul qui joue le riff de basse. Mais le son de basse est un son combiné, aussi, avec une partie d'une guitare acoustique jouée avec une pièce de monnaie, qui sonne très bien quand les deux sons sont séquencés ensemble". Une des qualités de cet appareil est sa très grande précision dans la séquence, ce qui pousse chacun à être plus juste dans son jeu. Martin Gore : "Même si Alan avait 8 ans de conservatoire au piano, son jeu serait encore incroyablement en dehors du temps comparé au séquenceur du Synclavier, et même ça c'est déjà limite !"

Juste avoir de bonnes idées
Quant à l'Emulator II, Melody Maker le décrit à l'époque comme une machine vite adoptée par le groupe et autres musicos éclairés, les garçons de Basildon l'emportant même en tournée, alors que l'idée était encore fumante dans la tête des ingénieurs et autres chercheurs. L'électronique naissante permet désormais à tous de concrétiser ses idées en terme musical, et plus seulement en terme d'instruments. Dave l'explique : "Quand vous utilisez l'électronique, vous n'avez pas à être techniquement un excellent musicien ; vous n'avez pas à être capable techniquement de jouer de la guitare et d'être un très grand joueur de cet instrument. Avec beaucoup de groupes, c'est de savoir qui est le meilleur musicien, mais avec l'électronique vous pouvez juste avoir de bonnes idées". Mais déjà certaines mauvaises langues voient dans ce nouveau mode de création un détournement des principes fondamentaux de la composition, comme la maîtrise des instruments. Ce dont Alan Wilder se défend : "Je n'ai jamais compris l'attitude comme quoi les synthétiseurs ne peuvent produire de la vraie musique, car avec n'importe quel instrument, ce sont les gens qui produisent la musique. Ce n'est pas l'instrument, c'est comment tu utilises l'instrument, c'est ça qui est important".

Boulimie grandissante
Malgré tout, Martin et Alan utilisent maintenant de plus en plus samplers et ordinateurs au détriment des synthés. En effet, les sons usines préprogrammés des synthés ne sont plus suffisants face à la boulimie grandissante des compositeurs et autres arrangeurs du groupe. Andrew Fletcher : "Nous n'utilisons plus beaucoup de synthé. Nous utilisons de plus en plus les ordinateurs, ce qui est différent. Car avec les ordinateurs, nous faisons actuellement nos propres sons, alors que les synthés font juste des sons élaborés électroniquement". Quant aux problèmes de communication entre les différentes machines qu'ils ont pu avoir par le passé, ils sont aujourd'hui en partie résolus. L'interface universelle MIDI est maintenant présente dans les studios du monde entier, elle permet finalement aux derniers instruments électroniques de différents fabricants de dialoguer dans le même langage.

Un séquenceur pas très amical
Parce que l'Emulator II du groupe possède le MIDI, comme le Yamaha DX7 utilisé par Gore, et que, selon Gareth Jones, tout le monde est d'accord pour dire que le séquenceur interne du Synclavier de Jones n'est pas très amical, les tâches de séquence se feront à présent sur un modeste 'BBC B Micro' (plutôt utilisé comme outil d'apprentissage dans les écoles anglaises) supportant un package logiciel dédié à la musique : UMI. "Le UMI est très bon pour programmer la structure des chansons, car il est très flexible" déclare Gore, "le Synclavier est bien, mais n'est pas très pratique car une fois la séquence programmée, il est très difficile de modifier la structure." Pour le groupe, le MIDI va constituer une des deux pierres angulaires de l'album. La seconde étant le sampling, phénomène qui va prendre des proportions difficilement imaginables dans la vie des membres et du staff. Il est question d'en faire une utilisation intelligente, comme le précise Dave : "Je suis déçu de voir comment les gens utilisent des sons samplés de nos jours. Ils semblent juste employer un Fairlight CMI, échantillonnent quelques sons d'orchestre, et c'est tout. Tout cela semble tellement ennuyeux. Si vous avez dépensé un beau montant dans l'achat d'un tel matériel, alors pourquoi ne pas l'explorer ? Nous ne l'avons pas encore complètement exploré, loin de là".

Quelques instruments pour enfants
Gore et Wilder vont commencer à utiliser le sampler comme instrument d'expérimentation, expérimentation qui va devenir aux fils des années un réel cheval de bataille. Tout commença peut-être par cette anecdote relatée par Martin : "Un matin, moi et Andy descendions à Hamleys et avons acheté quelques instruments pour enfants, des jouets, et nous avons pu trouver pianos, saxophones, xylophones. Nous les avons tous ramené en studio et les avons samplé. Un que nous avons utilisé était un marimba, un jouet vraiment étrange, mais après l'avoir samplé, c'était excellent. Ca sonnait terriblement comme un jouet, mais après l'avoir descendu de 2 octaves, ça sonnait vraiment bien". Gareth Jones confirme que cette obsession débuta véritablement en 1984 : "Je sens que Depeche Mode a toujours essayé, et réussi, à faire quelque chose de différent à chaque album. A cette époque, un sampler pour nous était une façon de créer entièrement de nouveaux instruments de musique. Nous n'avons pas, bien sûr, utilisé le sampler pour créer des instruments existants déjà".

Comme il l'avait déjà fait pour Construction Time Again, le groupe cherche avec encore plus d'énergie des sons nouveaux ou inédits, ce qui va le mener à des situations plus ou moins étranges. Martin : "Il y avait tous ces entrepreneurs à côté de Music Works. Nous avons eu un titre commençant avec nous frappant des bennes et du béton, et ils étaient à côté, abattant un mur, et nous ne pouvions dire qui était qui ! C'était très déconcertant sur le moment".

Le décor est planté
Gore est maintenant dans une phase de composition qu'il commence à bien connaître. Il a malgré cela du mal à s'exprimer sur le sujet : "Nous avons toujours eu des difficultés à essayer de décrire ce procédé de composition. Nous fabriquons beaucoup de samples. Les gens ont certainement entendu des choses comme le Fairlight. Et bien, nous utilisons un instrument appelé le Synclavier, qui est très semblable au Fairlight, et vous pouvez sampler des sons naturels ou des instruments, tous ce que vous aimez, dans l'ordinateur. Puis vous les transmettez au clavier, vous pouvez séquencer ces sons et faire tous ce que vous aimez avec". Le décor est planté, matériels et techniques sont maîtrisés. Il ne manque plus qu'à reformer l'équipe pour débuter les sessions. Le facteur matériel étant fixé, c'est le facteur humain qui va avoir son importance à l'entame du chantier qui attend nos protagonistes.

L'enregistrement de Some Great Reward
Some Great RewardL'enregistrement s'est fait en deux étapes : le premier jet à Music Works et le mix à Hansa. L'équipe est restée inchangée, même si la place de Gareth dans le staff a pris plus d'importance : "J'ai organisé le premier et pour le second j'ai pris mon courage à deux mains et je leur ai demandé si je devais faire partie de l'équipe de production. Ils m'ont dit oui car ce sont des gens justes et ils ont vu que ça marchait. Daniel était encore très important en studio. Il travaillait extrêmement dur sur les démos de Martin et les orchestrait, construisant les sons. C'était le maître des claviers analogiques. Quand il coproduisait, presque chaque ligne de synthé arrivait à ces oreilles". Miller est effectivement la pièce maîtresse du schéma, il porte l'équipe sur ces épaules. Alan Wilder : "Dans les premiers temps, beaucoup de décisions étaient prises par Daniel. Il nous prenait à part et nous disait : 'Je pense que tu devrais faire ça.' et on disait 'Oh alors d'accord !'. Mais bien sûr comme chacun de nous devenait plus expérimenté, nous avons réalisé que nous pouvions avoir plus de contrôle sur nous-même".

La cohésion est importante et c'est Daniel qui en sera le garde-fou : "Nous avions l'intention d'avoir des réunions mais nous avions des difficultés à réunir les gens ensemble. L'attitude était toujours 'doit-on faire ?'. Si quelqu'un prenait une décision au nom du groupe sans se concerter au préalable alors ça ferait chier tout le monde. Tout devait passer par tous les membres du groupe. Cela rendait souvent difficile la moindre simple décision mais nous ne pouvions faire autrement car il n'y avait pas de leader ou dictateur dans le groupe. Si nous avions besoin d'un médiateur indépendant, nous désignions Daniel".

Tranches de sons
Gareth, quant à lui, apporte une expérience supplémentaire à l'équipe : "Je devais faire tous les bruits 'heavy metal' avec Neubauten, 'Halber Mensch' fut vraiment une tentative de déplacer des grosses tranches de sons en utilisant des samples de base, et cela s'est retrouvé dans les sessions de Depeche. Je ne dis pas que j'ai été dans ce sens, mais il y avait une incroyable synergie qui faisait qu'on allait tous dans la même direction". Travailler de nouveau avec Depeche Mode ne le dérange plus, il aime l'ambiance qui y règne à l'époque : "Je me souviens de notre travail à Hansa, Fletch avait remarqué qu'il y avait un aérosol automatique sur la porte des toilettes et il faisait un bruit génial. Il est venu, plein d'enthousiasme et dit 'Gareth, nous allons utiliser ce son'. Il y avait une très bonne ambiance dans le groupe".

Berlin a été une bonne expérience par le passé et l'équipe est prête à retenter l'aventure à Hansa. C'est un lieu qui va marquer à coup sûr l'album d'une empreinte particulière, et les comportements aussi, comme celui de Gore. Alan le résume ainsi : "C'est difficile de dire dans quelles proportions Berlin a-t-il pu vraiment influencer le son de nos enregistrements, ce qui est certain c'est que nous avons vu Martin sortir de sa coquille durant cette période. Il semble avoir été un adolescent tranquille et réservé au dire de tout le monde. Fréquenter les bars et les clubs était devenu plus routinier et nous avons tous vu une face très différente de Martin quand il s'est laissé aller, pour ainsi dire, buvant beaucoup, jusqu'à enlever ses vêtements, devenant le top de sa liste d'activités préférées".

Sortir toute la nuit
Some Great RewardMartin est tombé sous le charme de cette ville, de ses rencontres et de ses nombreux avantages : "Je suis parti à Berlin car l'aspect 24H/24 de la vie de la ville me convenait. Je suis content de sortir toute la nuit - est-ce décadent ? Je n'ai jamais été encore capable de passer beaucoup de temps dans mon appartement berlinois, mais c'est assez proche car je peux être de retour à Basildon en 2 heures." Finalement, l'Allemagne semble avoir été l'endroit le plus propice à la création, comme le confirme Wilder : "Je pense que nous avons tous considéré que la période Berlin est une des plus excitantes. L'ambiance en studio était très dynamique et nous avons eu beaucoup de plaisir en Allemagne parce qu'il y avait tous ces succès et tous ces fans autour. Les gens voulaient toujours de nous dans leurs clubs. Nous étions à la télé tout le temps entourés de tous ces groupes anglais, comme Frankie Goes To Hollywood et Spandau Ballet. Nous terminions par des concours de boisson avec eux et on rigolait tous bien. Il y a eu beaucoup de bons moments et nous sortions tous ensemble".

Quelque chose à faire
Le travail en studio va s'étaler de mi-mai à Music Works jusqu'à mi-août à Hansa. Gore recentre une nouvelle fois le débat sur l'importance des compositions et de leur interprétation : "Il allait de pair que les chansons étaient la chose la plus importante. Même quand nous utilisons cette chose appelée Synclavier, qui est très intéressant pour faire les choses de façon moderne, sur notre dernier album, par exemple, une de nos pistes, Somebody, n'est juste qu'un piano acoustique et une voix, car nous sentions que cette chanson avait besoin de ce genre de traitement. Nous n'aimerions pas nous restreindre et dire 'nous avons enregistré ce titre de cette façon'. Nous sommes juste intéressés dans l'interprétation de ces chansons de la meilleure façon qui soit". Paradoxalement, le plus grand travail sur cet album va être le mix, qui n'a jamais été plus forte préoccupation. Si forte que cette partie du processus va s'étaler dans le temps de façon assez considérable : "Après l'enregistrement initial à Music Works, nous sommes retournés à Hansa pour mixer l'album" déclare Wilder, "mais avons fini par être terriblement en retard sur les prévisions. Résultat, moi, Dan et Gareth avons terminé l'album seuls car les trois autres membres du groupe avaient tous fait leur réservation pour les vacances d'été et ne voulaient pas les annuler. J'avais prévu le fait que nous allions aller au-delà de la deadline, et j'ai tenu à faire moi-même les arrangements, car je ne voulais pas manquer une des étapes du mix final".

7 jours à mixer une piste
Alan se remémore leur arrivée à Hansa : "Je me souviens que Killing Joke était aussi à Hansa au même moment, travaillant sur leur album 'Night Time'. Quand nous sommes arrivés, ils déchargeaient un extincteur sur la console Neve du studio 2, au grand désarroi de Gareth. Quand il exprima son inquiétude, son nom entra dans le petit livre noir de Jaz Coleman (leader de Killing Joke) ...". Charlie va une fois de plus être très actif et très utile en studio. Il va même signer If You Want, dont il dira plus tard : "Je l'ai probablement aimé à cette époque. Je me souviens avoir passé 7 jours à mixer la piste Master And Servant, et nous avons accidentellement arrêté la caisse claire à la fin. Ca nous montrait comment nous pouvions l'avoir dans le derrière. Nous ne devions plus écouter la piste du tout. Daniel est un peu perfectionniste et je ne pense pas qu'il y a beaucoup de faux là-dedans, mais il n'y a pas de doute que Martin ait été très ennuyé dans ce genre de situation. C'était un cauchemar pour lui de s'asseoir au fond de la pièce pour écouter quelqu'un tripoter un son des heures et des heures".

Les bidouilles d'Adrian Sherwood
Some Great RewardPour certains mixes, le groupe va faire appel à Adrian Sherwood. Il va apporter un éclairage nouveau, dans un style particulier qui lui est propre. Alan : "Adrian essaya de capturer des sons dans une unité de delay AMS pour créer la plupart de ses effets, qui étaient un peu inhabituels à l'époque. J'imagine que c'est comme cela qu'il créa la voix supplémentaire sur People Are People. Pour être honnête, je trouve les bidouilles d'Adrian un peu aléatoires. Ca a tendance à être des moments d'inspiration, mais aussi quelques désastres, tout ça dans le même mix. Je me souviens la fois où il est venu à Hansa pour faire les mixes de People Are People, et à cause de son état bizarre il a demandé une grande boîte de fusibles car il faisait sauter les haut-parleurs toutes les 5 minutes !"

Nous voyons bien que Depeche Mode cherche maintenant à livrer un produit le plus complet et le plus attractif possible, en portant une attention particulière aux maxis, par exemple. Martin : "Quand nous faisons un remix d'un single, nous faisons en sorte d'être sûr que c'est vraiment différent et d'en donner pour son argent, et nous avons été chanceux de voir que nos vrais fans ont toujours acheté nos singles". Dave a à peu près le même avis sur la question : "Nous avons du faire ces maxis, alors nous nous sommes assurés qu'ils seraient intéressants dans tous les cas. Nous avons passé beaucoup de temps à les comparer pour que les gens puissent les écouter bout à bout." Il est devenu plus exigeant qu'auparavant, et va faire des efforts pour améliorer son chant : "Je suis très content avec le son de ma voix pour cet album, c'est dû au fait d'avoir été à l'aise avec l'ingé-son. Je prends également des leçons avec Tona de Brett, je fais des gammes, et bien que je ne me vois plus d'application pour chanter, j'ai voulu apprendre à mieux contrôler la respiration". Quant au mythe de l'album dans l'album, il semble bien réel. Wilder explique ce qui semble s'être réellement passé : "Fletch et Martin ont fait un album farfelu, pour lequel je les ai aidés. Nous avons été dans une autre salle à Hansa, je jouais du piano et Martin de la guitare. Nous avons appelé cet album Toast Hawaii car c'était son plat favori dans le restaurant en bas à Hansa. Nous avons fait une cassette de cet album, et j'ai pris la pochette, qui est une photo de Fletch en Plug de 'The Bash Street Kids' (bande dessinée anglaise). Daniel ne voulait pas le sortir. Je ne peux pas vraiment imaginer pourquoi ... nous n'avons plus fait ce genre de chose après 1984 ou 1985".

Une grande récompense
L'album tant attendu sort le 24 septembre 1984 (nous venons de fêter ses 20 ans !). L'ensemble est d'une assez grande cohérence, le perfectionnisme des protagonistes se ressent rapidement, à l'écoute des premières pistes, des premières notes. People Are People est à lui seul un monument, il est une histoire dans l'histoire. Les voix, par exemple. Alan Wilder : "Elles ont été enregistrées dans une grande salle, au travers d'une sono, nous ne pouvions pas seulement obtenir un grand et gros son, car nous voulions mettre des effets comme de l'écho sur la voix pendant que c'était enregistré, et mixé ensuite sur la table". Certains sons du titre possèdent même leur propre histoire. Gareth Jones se souvient d'une anecdote sur l'un de ces sons : "Il y avait un son chorusé crucial sur People Are People, c'était des rires et bavardages que Martin avait enregistrés dans un avion, et après quelques discussions sur la possibilité de recréer le son, nous avons bien sûr simplement utilisé le son original car il était impossible de le recréer de toute façon". Et Gore de nous amener des précisions : "J'ai emporté un Walkman Sony stéréo quand j'ai pris l'avion d'Angleterre pour je ne sais plus où. Je l'avais acheté à l'origine pour enregistrer le décollage, mais pendant que l'hôtesse parlait de prendre connaissance des instructions sous le siège, la porte s'est ouverte et le vent s'est précipité à l'intérieur en faisant un grand bruit, et tout le monde a rigolé. J'ai fait une boucle de la fin de ce qu'elle dit avec les rires, ça donne un '...sion cards, ha, ha, ha ...' assez marrant, je l'ai utilisé avec un son de choeur qui a rajouté une vraie jolie texture sur le pont de People Are People".

Recherche excessive et viscérale de la perfection
Le 'oh oh Ooh' est aussi un bidouillage sonore, comme l'explique Alan : "D'abord, nous avons samplé Martin faisant 'Unk, Unk, Unk' avec sa gorge, puis nous avons utilisé un son de cloche et des timbales pour rendre ça plus profond". Le Synclavier a la plupart du temps été au cœur des événements. Wilder confirme : "Il y a très peu de choses jouées sur People Are People. Virtuellement, tout est échantillonné dans le Synclavier. Nous avons légèrement remanié les guitares une fois qu'elles étaient dans le Synclavier, car nous les samplons sur une note puis on peut modifier la longueur et la dynamique de chaque note dans la séquence de la partie guitare. Cela donne de l'expression, mais cela doit être complètement dans le temps". Il explique comment il a lui-même lentement glissé vers cette recherche excessive et viscérale de la perfection : "Vous ne pouvez vous empêcher, après avoir été impliqué pendant un moment dans la création d'une séquence, d'observer 3 millisecondes ou 5 millisecondes de déphasage, alors vous finissez par time-shifter chaque mesure jusqu'à la perfection. Alors nous entrons consciemment dans la légère mise en déphasage, comme par exemple le chœur sur People Are People, nous utilisons un son combiné de différents sons de chœur sur différents synthés, puis nous les mettons légèrement en déphasage avec les autres. Nous prenons un son du Synclavier, un du PPG Wave 2 et un de l'Emulator II".

Treat Me Like A Dog
Some Great Reward joue donc autant dans l'industriel que dans la subtilité, comme par exemple Master And Servant, raconté par Alan : "C'était un véritable bonheur d'enregistrer Master And Servant. Si vous écoutez attentivement, comme pour les bruits de fouet, vous pouvez entendre deux filles de Basildon chanter 'Treat Me Like A Dog'". A l'époque, la notion de time-stretching (accélération ou ralentissement de la vitesse d'un son sans changer sa tonalité) n'existe pas vraiment, et Wilder va devoir palier à cela pour l'élaboration de Master And Servant : "En premier, nous faisons chanter les gens haut pour 'It's a lot' et nous les samplons. Puis ils chantent bas la même chose, ainsi que 'like life'. Tu n'as pas à jouer un échantillon plus lentement ou plus vite que les autres pour obtenir l'octave, puisque tu fais un patch sur le clavier du Synclavier pour chaque partie, et puis tu joues les parties à leur hauteur naturelle et les deux à la même vitesse. Ca fait parfaitement l'affaire".

Côté rythme et percussions, c'est un éternel chantier pour le groupe. Aucune expérimentation n'est écartée, ce qui donne des lignes rythmiques particulièrement riches et inédites. Et Alan est dans le coup : "Sur une piste de l'album, Blasphemous Rumours, nous avons samplé des bruits de Musique Concrète pour produire ce qui allait être notre grosse caisse. Nous enregistrons toujours les sons initiaux dans l'espace ambiant. Nous aimons diversifier les sons de nos grosses caisses le plus possible, alors nous enregistrons différents sons acoustiques de batterie avec le micro proche ou le micro éloigné, dépendant de la profondeur de son que nous souhaitons".

Complètement nu dans la cave du studio
Some Great RewardPour trouver les sons, il organise même des sessions avec les spécialistes du sujet : "Nous avons fait appel à un percussionniste un après-midi pour sampler ses batteries et ses différentes techniques de jeux. Nous n'avons pas essayé de cacher le fait que nous étions en train de sampler. On a dit 'nous espérons que vous ne vous sentez pas violé', et il était d'accord pour être enregistré juste en frappant littéralement chaque batterie, l'une après l'autre. De toute façon, nous avons samplé toutes ses batteries une fois, voire deux. Maintenant, la Musicians' Union (un équivalent de la SACEM) s'intéresse au sampling ; ce gars les a évidemment contactés quand il est rentré chez lui, car il nous a adressé cette facture d'environ 50 sessions différentes, plus une taxe de consultation. C'était énorme, et le truc stupide était que la plupart de ces sons n'était pas tous bons ; nous avons seulement utilisé deux sons d'environ 2 secondes chacun dans deux de nos titres". Côté glamour, c'est Gore qui s'y colle avec un enregistrement de Somebody pour le moins original, tout à fait dans le ton : "Nous l'avons interprété tous ensemble, cela a juste demandé trois prises, principalement pour rendre le son OK, le plus dépouillé possible. En fait, je l'ai chanté complètement nu dans la cave du studio, que nous utilisions pour l'ambiance". Alan ne peut que confirmer : "Martin a enlevé ses vêtements à la première opportunité. Il était fasciné par son propre corps. D'habitude on boit seulement quelques verres, et puis il s'est déshabillé !"

L'amour et plus si affinités
Cette façon de faire épouse le thème abordé à merveille. Car comme l'avoue ouvertement Gore, les sujets ont le mérite d'être clairs : "70% de nos chansons ont une connotation sexuelle. Personnellement, je trouve cela incroyable que les gens à qui j'en parle considèrent ça comme une chose secondaire dans la vie. Pour moi, ce n'est pas quelque chose de vraiment secondaire". L'amour et plus si affinités, en quelque sorte. Mais un autre thème semble revenir, cette sorte d'émerveillement pour le mystique, qui rend par son côté ambigu cette profondeur à chacun des titres qui l'aborde. Martin apporte quelques précisions : "J'allais souvent à l'église, pas parce que j'y croyais mais parce qu'il n'y avait rien d'autres à faire le dimanche. J'ai trouvé l'office trop difficile pour le prendre au sérieux. L'organisation entière est bien pratique mais je ne suis pas sûr que c'était ce que Dieu attendait. Particulièrement une partie de l'office appelée "the Prayer List", quand le pasteur débite les noms de ceux qui sont malades ou qui vont mourir. La personne en haut de la liste est assurée de mourir, mais que chacun continue encore à remercier Dieu d'exaucer ses volontés. Cela me semble si étrange, si ridicule et si éloigné de la réalité".

Mais Gore et les autres refusent de considérer qu'ils sont fait pour choquer : "Ni Somebody, ni Master And Servant n'est fait pour choquer, ils n'ont pas été conçus pour choquer les gens. Ils ont tous les deux de bonnes intentions". Dave est bien conscient que ce genre de thème est sujet à polémique : "Je pense que le problème a surgi car il y a le mot 'Blasphemous' dans le titre, alors l'enregistrement lui-même doit l'être, puisque c'est juste les pensées d'un seul homme cherchant une quelconque raison aux événements du monde. Nous avons reçu une réponse des Associations chrétiennes disant qu'ils comprenaient ce que nous avions essayé de dire".

Fais-moi écouter juste une minute
Le son proposé par le groupe pour cet album est résolument moderne et dans la mouvance de l'époque. Vince Clarke est le premier à le reconnaître : "J'étais malade en entendant les échantillons sur le disque. Je pense que beaucoup de gens maîtrisent ça bien. J'admire vraiment le travail que Daniel Miller a fourni avec Depeche Mode car il ne se répète jamais". C'est encore plus fragrant sur People Are People, le titre se démarque immédiatement des productions contemporaines, tout en restant extrêmement cohérent. Alan Wilder : "Nous avons fait attention au fait que ce titre soit plus proche d'un single disco, et nous ne voulions pas qu'il soit comme tout les millions d'autres déjà sortis". Il tire notamment un coup de chapeau à Gore : "People Are People doit toucher l'âme. Parfois je trouve que les paroles de Mart très simples mais elles touchent si profondément, vous savez. Il écrit sur des sujets qui le concerne. C'est un art très difficile et il s'en tire très bien". Quant à Dave, il soulève la comparaison Indus de l'époque : "Nous voulons quelque chose de plus tranchant avec People Are People. Daniel va signer Test Department en ce moment, mais nous ne les avons pas écoutés. Dans tous les cas, Test Department et Neubauten sont plus dans l'art et nous sommes plus dans la chanson".

Un exercice de logistique
Le groupe part en tournée tout de suite après la sortie de l'album avec une première date anglaise le 27 septembre. Il va être confronté au problème de restitution de la complexité sonore grandissante des chansons, de l'essence même de l'album. Les backing tapes vont être alors beaucoup utilisées, notamment pour les parties rythmiques difficiles, comme l'explique le groupe : "Nous sommes conscients des limitations dues à l'utilisation des backing tapes en concert, on perd en spontanéité, mais nous ne pouvons imaginer jouer avec un batteur live sur scène. Personne ne pourrait jouer assez précisément et nous donner tous les sons que nous utilisons en studio, mais nous avons trouvé d'autres façons de rendre les choses un peu plus visuelles. Nous avons un décor avec des échafaudages, des écrans, le tout assorti à la pochette de l'album Some Great Reward. Jane Spiers, qui a travaillé avec nous la dernière fois, veut aller un peu plus loin dans ce sens". L'autre grand obstacle était le software des machines, encore rudimentaire à l'époque. Wilder commença alors un exercice qui allait devenir une de ses grandes spécialités par la suite : "C'était un exercice de logistique. Les versions live étaient structurées de façon à ce que chacun puisse charger ses sons à temps pour être prêt à jouer sa partie au clavier. Parfois les intros étendues étaient programmées pour couvrir ce problème. Cela prenait environ 30 secondes pour chaque banque de sons à charger, c'était souvent très risqué que chacun ait à le faire à temps. Les derniers Emulator avaient des disques durs internes, alors nous étions capables de stocker le set entier de sons dessus, sans avoir besoin de disquettes".

Pathétiques morceaux de tôle ondulée
Pathétiques morceaux de tôle ondulée Côté décor, certains éléments pouvaient sembler farfelus. Alan : "Il y avait de pathétiques morceaux de tôle ondulée et ça faisait un peu stupide. De temps à autre je les frappais mais ce n'était pas exactement du Neubauten. Nous le faisions d'une si idiote et gentillette façon que c'était plutôt comique !" Fort de cet album et de cette tournée, Depeche Mode va enfin pouvoir s'ouvrir les portes des Etats-Unis. Andrew revient sur l'objectif initial : "Ce fut le premier gros album en Amérique. Il y avait une stratégie dans le sens où nous voulions sortir de Berlin et en second lieu, nous voulions montrer aux gens à l'étranger que nous faisions de bonnes choses, que nous n'étions pas qu'un groupe typiquement britannique. Nous étions considérés comme étant un groupe qui sonne européen".

Le 29 avril 1985, au sortir d'un Some Great Reward Tour triomphant, le groupe propose Shake The Disease, comme pour inaugurer la suite de l'aventure. Alan Wilder : "Shake The Disease est encore une de mes chansons préférées de Martin, mais je ne pense pas que nous ayons vraiment sorti le meilleur de cela. Je pense qu'on a tous trop essayé de rendre le son vraiment spécial, même Daniel. Je crois qu'il y a eu un moment où Daniel a été trop impliqué dans la technologie : je peux me souvenir d'un son particulier que nous avons créé pour Shake The Disease. Le passage lui-même était pratiquement idiot, un riff de 2 notes. Et nous avons fini par utiliser 24 sons disposés les uns chevauchant les autres, tous les sons de l'orchestre ! Ceci, bien sûr, faisant que les sons s'annulent les uns par rapport aux autres, et que le résultat sonne comme une onde en forme de sinus ! Cela résume bien jusqu'où nos conneries ont pu nous amener". Ce titre résume surtout le niveau d'exigence dans lequel l'équipe navigue, et symbolise pour le groupe le besoin de créer presque immédiatement une passerelle avec les projets futurs ...